Two: One, and Another - Dasole Oh solo exhibition
둘: 하나, 그리고 또 하나 - 오다솔 개인전
2024. 10. 31 - 11. 16 | 13:00 - 19:00, Closed on Mondays
- Painting & Drawing : 그블루 갤러리 (GBLUE GALLERY, 서울 중구 충무로5길 3층 302호)
- Drawing & Painting : 드로잉룸 403 (Drawing Room 403, 서울 중구 을지로 130-1 4층 403호)
둘의 기억: 하나, 그리고 또 하나의 기억
같은 곳에서 같은 시각 같은 일을 겪은 둘이 긴 시간이 흐른 뒤 당시 경험을 함께 상기해 보는데, 이야기를 나눌수록 같은 경험을 한 게 맞나 싶을 때가 있다. 둘은 서로의 기억에 뚫린 구멍들을 메꾸고 엇갈린 곳을 맞춰본다. 비록 그렇게 복원한 기억이 실제 겪은 일과 일치하는지는 알 수 없지만 말이다.
시간이 흐르는 동안 둘의 기억은 각자의 방식대로 망각되었다. 각자의 성향, 가치관, 경험 따위가 영향을 미쳤을 것이다. 둘의 기억은 서로 달라졌고 또 실제 겪은 일의 사실적 디테일과도 달라졌다. 하나의 경험에서 출발한 두 가지 (혹은 여러 가지의) 서로 다른 기억. 하지만 그 둘은 분명 서로 연결되어 있다. 다름은 두 가지 기억을 단절시키기보다, 상호작용 하게 한다.
잊혀짐이 아닌 재창조-됨
인공지능이 대체할 수 없는 인간의 능력 중 하나가 망각이라는 이야기가 있다. 망각은 인간을 인간답게 한다. 망각을 통해 우리는 각자의 경험을 자신만의 방식으로 여과하고 다른 사람과 차별되는 기억을 갖는다. 모두가 똑같이 기억하지 않기 때문에 우리는 서로 다르면서도 닮은 나무들로서 하나의 숲을 이루며 살아간다.
누구도 저항할 수 없는 망각의 작용 앞에 연약한 존재일 수밖에 없는 기억들의 세계, 그 안에서 고정불변의 세계가 무한가능의 세계로 열린다. 나는 망각을 단순히 ‘잊는다’는 관점에서 해석하기보다 일종의 ‘재창조’ 과정으로 바라보면서, 그 불확실하고 가변적이고 복잡한 특성을 그림에 담는다. 망각을 거쳐 가는 기억 조각들이 혼재하는 기억 세계의 모습을 구상과 추상 사이의 다양한 시각 요소들의 얽힘과 쌓임으로 시각화한다.
두 개의 전시: 페인팅과 드로잉
이번 전시는 ‘서로 다르면서도 연결된 두 기억’을 주제로 구성되며, 독립된 두 개의 전시 공간에서 한 곳에서는 페인팅 위주의, 다른 한 곳에서는 드로잉 위주의 두 가지 전시를 연다. 특히 페인팅 전시에서는 두 개의 작품으로 이루어진 한 쌍의 작품들을 여럿 선보인다. '하나, 그리고 또 하나'로서 각각이면서도 연결된 ‘둘'이게 하는 이 물리적 장치들을 통해 우리의 기억은 독립된 것이기도, 하나의 집합체이기도 하다는 것을 이야기한다.
오다솔
Memories of Two: One, and Another
Two people who experienced the same event at the same time and place try to recall the memory after a long time has passed. The more they share their memories, the more they question whether they really had the same experience. They try to fill the gaps in each other's memories and align the discrepancies. Though they can't be sure if the restored memory truly matches what actually happened.
Over time, their memories were forgotten in their own ways, likely influenced by their individual tendencies, values, and experiences. Their memories diverged, not only from each other but also from the factual details of the actual event. Though these two memories differ, they remain intrinsically connected, as they stem from a shared experience. The differences do not sever the memories; rather, they enable them to interact with one another.
Being Re-created, Not Forgotten
There is a saying that one of the human abilities that artificial intelligence cannot replace is the ability to forget. Forgetting is what makes us human. Through forgetting, we filter our experiences in unique ways and form memories that distinguish us from others. Since no one remembers things in exactly the same way, each of us is like a unique tree—distinct yet similar to others—that forms a forest together.
In the world of memories, where memories remain vulnerable to the inevitable effects of forgetting, a fixed and unchanging world opens up to one of infinite possibilities. Rather than interpreting forgetting as simply 'losing' memories, I view it as a process of 're-creation', aiming to encapsulate its uncertain, mutable, and complex nature within my work. I visualize a world of memory in which the fragments of forgotten memories coexist, interweaving and layering various visual elements that lie between figuration and abstraction.
Two Exhibitions: Painting and Drawing
This exhibition is organized around the theme of 'Two Memories that are Different yet Connected', featuring two separate exhibition spaces: one primarily focused on painting and the other on drawing. The painting exhibition, in particular, showcases several pairs of works consisting of two pieces each. These physical arrangements, which connect the 'two' while allowing them to remain distinct as 'one, and another' emphasize that our memories can be both independent and a collective entity.
Dasole Oh
Installation view - GBLUE GALLERY
Installation view - Drawing Room 403
나의 프리핸드 드로잉 소품들은 종이에 펜이나 수채화 등 간단한 도구를 사용해 단시간 내에 완성한 것이다. 완전한 무(無)에서 시작하기보다, 공간이나 건축의 이미지를 보고 즉각 추상화(-化) 하는 방식으로 그려진다. 캔버스 작업과 마찬가지로 드로잉 또한 구상으로부터 추상을 여과해내는 과정이란 점에서 두 작업은 같은 맥락에 있다.
같은 그리기 작업이면서도 서로 다른 근육을 활성화한다는 점에서 캔버스 작업은 ‘산문’, 드로잉 작업은 ‘시’와 비슷하다고 느낀다. 캔버스 작업에는 구조를 한 층씩 더 깊게 만들어가기 위한 지구력이 필요하다면, 드로잉 작업에는 그림 스스로 돌발적 사건처럼 나타나면서 형성해가는 에너지에 동화하기 위한 순발력과 깨어있음이 요구된다.
드로잉을 할 때에는 공간/건축 이미지가 가진 분명한 형상들의 흐름을 따라 왜곡, 생략, 단순화 등 순간적으로 집중된 감각을 동원해 즉각적으로 추상화하고, 간결한 선과 붓터치로 빠르게 그려낸다. 밑그림 없이 시작하여 단숨에 끝난다는 점, 그리고 잘못 그린 부분을 수정할 수 없다는 점은 강도 높은 집중력을 개입시킨다. 한점 한점의 드로잉에서 선들의 속도, 무게, 방향, 떨림, 조화, 관계에 온전히 집중하면서 움직임과 흐름을 발견하고 그것을 따라 선과 면을 그려간다.
그렇게 매일 한번에 수십장의 드로잉을 그려내고 나면 어떤 날은 마음에 드는 작품이 한 점도 없고 또 어떤 날은 한두 점의 작품을 겨우 얻는다. 매번 이토록 단순한것이 이토록 어렵고도 값지다.
My freehand drawing pieces are created with simple tools, such as pen or watercolor on paper, and completed in a short time. Rather than starting from nothing, they are drawn by referencing images of spaces or architecture and immediately abstracting them. The drawing work shares a similar context with my canvas work, as both involve filtering abstraction from figuration.
Although both are forms of picture-making, they engage different muscles. I find that canvas work is like ‘prose’, while drawing resembles ‘poetry’. Canvas work requires endurance to deepen the structure layer by layer, whereas drawing demands agility and alertness to align with the energy that arises as the drawing itself emerges like an unforeseen event.
When drawing, I quickly abstract the rigid forms of architectural structures, following their flow through distortion, omission, or simplification with intense, momentary focus. I work swiftly, using simple lines and brush strokes. Having no preliminary sketches and no option to correct mistakes demands a high level of concentration. In each drawing, I focus on the speed, weight, direction, vibration, harmony, and relationship of the lines, as I discover and follow their movement and flow.
Each day, I draw dozens of pieces; some days, I end up with no satisfactory piece, while on others, I might achieve only one or two. I am reminded each time how challenging and rewarding something so seemingly simple can be.